Rosa damascena Aurora by Pierre Joseph Redouté, 1817
Œuvre d’art authentique
L’œuvre que nous imprimons est fidèlement restituée à partir de la source originale - généralement un musée, une bibliothèque ou une collection privée. Nous ne remplaçons jamais, ne redessinons jamais et n’inventons jamais le travail de l’artiste à l’aide d’une IA générative.
Restaurée dans notre atelier londonien à partir de l’œuvre originale de 1817 et imprimée en qualité musée. Description complète
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Restauré à Londres • Imprimé et encadré en the USA
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Pierre-Joseph Redouté’s Rosa Damascena Aurora, published in 1817, presents a damask rose as a complete botanical portrait rather than an isolated blossom....
Continuer la lecturePierre-Joseph Redouté’s Rosa Damascena Aurora, published in 1817, presents a damask rose as a complete botanical portrait rather than an isolated blossom. A fully opened flower occupies the upper centre, its layered pink petals loosening around a glimpse of warm yellow stamens. Several buds rise beside it at different stages of development, while the long, thorned stem and spreading foliage give the composition an elegant, gently asymmetrical rhythm.
Redouté was among the most accomplished flower painters of the early nineteenth century, celebrated for combining close botanical observation with an exceptional sensitivity to colour and form. His career was closely associated with elite French botanical culture, including the patronage of Empress Joséphine, whose gardens at Malmaison contained an extensive collection of rare plants. This study belongs to the period of Les Roses, issued between 1817 and 1824: a project in which the rose became at once a scientific specimen, a cultivated variety and a subject worthy of sustained artistic attention.
A closer look
The open bloom is built from subtle gradations rather than emphatic outlines. Cooler blush pinks gather in the inner folds, while the outer petals fade towards near-white at their curled edges. Soft highlights suggest the petals’ thin, velvety surfaces, and faint shadows between the overlapping layers give the flower convincing volume without disturbing the delicacy of the whole.
To the upper right, the smaller blooms form a compact sequence of growth. One bud remains tightly enclosed by pointed green sepals; another has begun to reveal its pink petals; a further flower is poised between bud and full opening. This progression introduces time into an otherwise still botanical arrangement, allowing the plant’s structure and flowering habit to be understood at a glance. The slight displacement of these buds also balances the large rose without imposing rigid symmetry.
The lower half rewards equally close attention. Broad, serrated leaves fan towards the left, their central ribs and branching veins picked out in pale, finely controlled lines. Variations from deep green to softer olive distinguish one leaf from another and help separate overlapping forms. Along the slender central stem, small sharply rendered thorns interrupt the smooth vertical movement—a precise reminder that Redouté recorded the defensive anatomy of the rose as carefully as its bloom. The pale ground, touched with a faint pinkish warmth, leaves ample space around every contour.
Context and significance
Botanical illustration in Redouté’s period occupied a productive territory between natural history and decorative art. Such images needed to communicate identifiable structures—petal formation, foliage, buds, sepals and thorns—yet they also addressed an audience fascinated by horticulture and the refinement of cultivated flowers. Redouté’s distinction lies in how naturally those purposes coexist. Nothing is crowded or diagrammatic, but the apparent grace of the arrangement never obscures the plant’s specific features.
Rosa Damascena Aurora exemplifies that balance particularly well. The rose is neither idealised into a generic emblem nor reduced to a clinical specimen. Instead, the spreading leaves, uneven stem, unfolding buds and luxuriant central flower preserve the character of a living plant. Its appeal rests in this union of clarity and softness: an exacting study whose quiet spaciousness allows each thorn, vein and fold of pink to register.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
If you need an exact size, specialist framing or help planning a larger display, ask our workshop for advice.
The model in the listing images is holding the 18x24in (45x60cm) version of this art print.
Where personalisation is available, you can add a short title or dedication, or one considered visual detail. See examples of personalised artwork.
Choose Original to retain the colour and character of the source artwork, or Aged for a warmer, more antique appearance. See examples of our Aged artwork.
Every piece is produced to archival standards using fade-resistant pigment inks on acid-free matte art paper. Choose an art print, framed art print or framed canvas using the finish options above.
Framed art prints use crystal-clear optical acrylic for excellent clarity, lower weight and safer delivery than glass. Each piece arrives professionally framed and ready to hang.
Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
Pierre-Joseph Redouté’s Rosa Damascena Aurora, published in 1817, presents a damask rose as a complete botanical portrait rather than an isolated blossom. A fully opened flower occupies the upper centre, its layered pink petals loosening around a glimpse of warm yellow stamens. Several buds rise beside it at different stages of development, while the long, thorned stem and spreading foliage give the composition an elegant, gently asymmetrical rhythm.
Redouté was among the most accomplished flower painters of the early nineteenth century, celebrated for combining close botanical observation with an exceptional sensitivity to colour and form. His career was closely associated with elite French botanical culture, including the patronage of Empress Joséphine, whose gardens at Malmaison contained an extensive collection of rare plants. This study belongs to the period of Les Roses, issued between 1817 and 1824: a project in which the rose became at once a scientific specimen, a cultivated variety and a subject worthy of sustained artistic attention.
A closer look
The open bloom is built from subtle gradations rather than emphatic outlines. Cooler blush pinks gather in the inner folds, while the outer petals fade towards near-white at their curled edges. Soft highlights suggest the petals’ thin, velvety surfaces, and faint shadows between the overlapping layers give the flower convincing volume without disturbing the delicacy of the whole.
To the upper right, the smaller blooms form a compact sequence of growth. One bud remains tightly enclosed by pointed green sepals; another has begun to reveal its pink petals; a further flower is poised between bud and full opening. This progression introduces time into an otherwise still botanical arrangement, allowing the plant’s structure and flowering habit to be understood at a glance. The slight displacement of these buds also balances the large rose without imposing rigid symmetry.
The lower half rewards equally close attention. Broad, serrated leaves fan towards the left, their central ribs and branching veins picked out in pale, finely controlled lines. Variations from deep green to softer olive distinguish one leaf from another and help separate overlapping forms. Along the slender central stem, small sharply rendered thorns interrupt the smooth vertical movement—a precise reminder that Redouté recorded the defensive anatomy of the rose as carefully as its bloom. The pale ground, touched with a faint pinkish warmth, leaves ample space around every contour.
Context and significance
Botanical illustration in Redouté’s period occupied a productive territory between natural history and decorative art. Such images needed to communicate identifiable structures—petal formation, foliage, buds, sepals and thorns—yet they also addressed an audience fascinated by horticulture and the refinement of cultivated flowers. Redouté’s distinction lies in how naturally those purposes coexist. Nothing is crowded or diagrammatic, but the apparent grace of the arrangement never obscures the plant’s specific features.
Rosa Damascena Aurora exemplifies that balance particularly well. The rose is neither idealised into a generic emblem nor reduced to a clinical specimen. Instead, the spreading leaves, uneven stem, unfolding buds and luxuriant central flower preserve the character of a living plant. Its appeal rests in this union of clarity and softness: an exacting study whose quiet spaciousness allows each thorn, vein and fold of pink to register.
Choosing the right size and finish
Artwork can feel intimate at smaller sizes and dramatically more architectural at larger ones. Use the room preview, model image and size guide to see how the proportions and scale will work in your space.
If you need an exact size, specialist framing or help planning a larger display, ask our workshop for advice.
The model in the listing images is holding the 18x24in (45x60cm) version of this art print.
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Selected artworks can be produced at statement sizes up to 3 metres (10ft). Custom sizing and specialist framing are also available. If the exact option you need is not listed, contact our workshop.
This artwork is also available as a float framed canvas, sometimes known as a shadow gap framed canvas or canvas floater. The work is printed on artist's cotton canvas and then stretched over a handmade box frame. We then "float" the canvas inside a wooden frame, which is available in a range of colours (black, dark brown, oak, antique gold and white). This is a wonderful way to present an art print without glazing in front. See some examples of float framed canvas art and explore the differences between my different finishes.
Nombre de nos cartes et tirages d’art sont choisis comme cadeaux attentionnés pour des intérieurs, des bureaux, des cabinets de travail et des lieux chargés de sens.
Choisissez une option encadrée pour un cadeau prêt à être accroché en toute simplicité, ou optez pour un tirage non encadré si le destinataire préfère peut-être sélectionner son propre cadre.
Nous fabriquons les commandes localement dans 23 pays à travers le monde, afin que les cadeaux puissent souvent être produits à proximité du destinataire. Cela permet une livraison plus rapide, un transport plus sûr et d’éviter les surprises liées aux frais de douane ou droits d’importation.
- Nous pouvons livrer directement au destinataire
- Les pièces encadrées arrivent prêtes à être accrochées
- Les tirages non encadrés sont soigneusement emballés dans un tube de protection robuste
- Presque chaque commande est fabriquée localement, pour des cadeaux plus rapides et plus sûrs
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J'utilise de l'acrylique super clair (perspex/acrylite) pour le verre du cadre. C'est plus léger et plus sûr que le verre - et cela a meilleur aspect, car la réflexivité est plus faible.
Six couleurs de cadre standard sont disponibles gratuitement (noir, marron foncé, gris foncé, chêne, blanc et or antique). Des encadrements et montages/matelassages personnalisés sont disponibles si vous recherchez autre chose.
La plupart des cartes, œuvres d'art et illustrations sont également disponibles sous forme de toile encadrée. Nous utilisons une toile en coton mate (non brillante), que nous tendons sur un cadre en bois de boîte provenant de sources durables, puis nous 'flottions' la pièce à l'intérieur d'un cadre en bois. Le résultat final est assez beau, et il n'y a pas de vitrage qui gêne.
Tous les cadres sont fournis "prêts à accrocher", avec soit une corde, soit des supports à l'arrière. Les très grands cadres auront des plaques de suspension lourdes et/ou une latte de montage. Si vous avez des questions, veuillez nous contacter.
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Alternativement, je peux également fournir de vieilles cartes et œuvres d'art sur toile, sur panneau en mousse, en coton et d'autres matériaux.
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